Pintor (Artista)

En cualquier negocio, siempre hay un aspecto crucial relacionado con la comunicación. 

En persona, correos electrónicos, exposiciones de arte, redes sociales, actualizar mi sitio web y llamadas telefónicas son parte del día a día de un artista profesional. 

En esa comunicación, uno de los elementos más importantes es cumplir con lo que digo que voy a hacer, lo que genera credibilidad: entrego el trabajo a tiempo, respondo los correos electrónicos lo antes posible y estoy disponible en la medida de lo posible. 

También está la maravillosa parte creativa: el estudio. Es algo muy introvertido. Lo trato como si fuera cualquier otro lugar de trabajo, tengo un horario reservado exclusivamente para el estudio. Una vez que saco mis pinturas, eso es todo, me desconecto del mundo exterior y, a veces, después de largos periodos de tiempo, ¡incluso olvido cómo hablar! 

Así que la única comunicación en el estudio es entre mi pincel y dónde y cómo aplicar la pintura. 

En los días en los que la creatividad no fluye o no estoy en mi mejor momento, me dedico a cuidar los materiales del estudio. Siempre hay que organizar, limpiar pinceles, ir a la tienda de arte a reponer pinturas u otros materiales. Esto es tan importante como cualquier otra cosa y tiene su momento: me llevó un tiempo averiguar cuándo ocuparme de estas cosas y cuándo pintar, ya que no me gusta hacer inventario ni crear nuevas paletas, pero hay un momento para cada cosa y ahora lo entiendo. Isabell K. Fearnsby, pintora profesional, profesora adjunta, Cogswell College.

Horario de trabajo

• Los pintores pueden trabajar a tiempo completo o no, dependiendo de su puesto y sus deseos personales. Muchos no quieren tener un trabajo tradicional, sino que complementan sus ingresos trabajando como autónomos o profesores. Las horas de trabajo pueden incluir noches o fines de semana, dependiendo del horario que elijan y de las necesidades de su empleador, clientes o consumidores.

Tareas típicas

• Trabajar con los empleadores o clientes para determinar las necesidades específicas y los plazos.
• Discutir el alcance y el presupuesto de un proyecto artístico, según corresponda.
• Acordar el estilo pictórico y los materiales que se utilizarán.
• Encuentre plantillas, modelos y fotos con los que trabajar, cuando sea necesario.
• Crea bocetos y maquetas para obtener la aprobación antes de continuar.
• Trabaja teniendo en cuenta la futura ubicación de cualquier gráfico o texto adicional que acompañe a tu trabajo (por ejemplo, si estás diseñando la portada de un libro, ten en cuenta la disposición del título, el subtítulo, el nombre del autor, el logotipo de la editorial, etc.).
• Si trabajas como instructor o profesor, desarrolla planes de clase y programas de estudios adecuados para aulas y entornos diversos.
• Forma a una amplia variedad de alumnos, desde estudiantes de primaria, secundaria y universitarios hasta pacientes en centros sanitarios, personas mayores, turistas o ejecutivos, dependiendo del entorno.
• Mantén la flexibilidad y adáptate al nivel actual de conocimientos y experiencia de los alumnos.
• Enseñar el uso adecuado de las herramientas y materiales aplicables para proyectos específicos.
• Compartir conocimientos sobre líneas, formas bidimensionales, texturas, perspectiva, ruedas de colores y valor (es decir, tonos claros u oscuros).
• Responsabilidades adicionales
• Asegúrese de que todos los materiales y equipos necesarios estén disponibles.
• Planifica posibles desplazamientos, dependiendo del trabajo que haya que realizar.
• Guíe a los estudiantes a lo largo de sus viajes creativos mientras exploran estilos.
• Enseñar habilidades relacionadas con el arte, así como la confianza en uno mismo, la comunicación y la colaboración.
• Organizar talleres breves, residencias o series de clases temáticas.
• Establecer proyectos colaborativos que permitan a los grupos trabajar juntos.
• Manténgase al tanto de las últimas novedades y tendencias.

«Ser artista es un 50 % producción y un 50 % trabajo comercial y de marketing». 

Para mí, está la inspiración, las fotos de referencia o la pintura in situ, el diseño y la planificación de la pintura, el estudio de obras maestras para ampliar mis ideas sobre cómo puede quedar la pieza. 

Después de todo eso, viene la pintura propiamente dicha, que, en mi caso, puede llevarme entre 1 hora y más de 100 horas, dependiendo del tamaño y la pieza. 

Una vez terminada la pintura, suelo crear una serie de pinturas que la complementen, si es que aún no forma parte de una serie. De esta manera, cuando la expongo, tiene un contexto, como un álbum, en lugar de ser solo una canción suelta. 

Busco un lugar o una galería para exponer la obra o la serie, o, si tengo suerte, el lugar me encuentra a mí. 

Una vez que eso está asegurado, comienza la descarada autopromoción. 

Las ventas son un aspecto importante para ser un artista profesional. Hay mucho material disponible sobre cómo negociar y generar más ventas, que es muy útil y no tan empalagoso como parece. 

He descubierto que las ventas y el marketing son aspectos esenciales para ser un artista profesional, y que esas habilidades son tan importantes como el talento y la inspiración para crear obras de arte. No hay que subestimar las ventas y el marketing, ya que es así como un artista paga el alquiler, las herramientas, los materiales y el espacio de su estudio. 

Ser profesora requiere un conjunto de habilidades completamente diferente, pero en relación con ser artista, poder aportar mi pasión por el arte, el espíritu emprendedor y los negocios a mi labor docente es una auténtica delicia. Para mí, la enseñanza es el complemento perfecto a mi faceta de artista profesional. Isabell K. Fearnsby, pintora profesional, profesora adjunta, Cogswell College

Habilidades sociales

• Capacidad para evaluar y orientar el comportamiento de los alumnos (si se imparte enseñanza).
• Capacidad para inspirar a los demás.
• Capacidad de comunicación
• Creatividad
• Atención al cliente
• Empatía
• Entusiasmo
• Capacidad de organización
• Paciencia
• Ingenio
• Habilidades para coordinar e instruir actividades (si se imparte enseñanza)
• Concienciación social y cultural
• Buen juicio y toma de decisiones
• Gestión del tiempo

Competencias técnicas

• Familiaridad con las herramientas y los materiales relevantes para el nivel que se imparte.
• Los materiales artísticos pueden incluir: papel de distintos gramajes y tipos, lienzos, lápices, pinceles, bandejas, diluyentes, pintura acrílica, pintura al óleo, acuarelas, témperas, esponjas y limpiadores de manos.
• Conocimiento de equipos de presentación visual
• Conocimiento de estilos artísticos, artistas famosos, valores justos de mercado, valores de mercado en efectivo y factores de valoración para artistas emergentes, en mitad de su carrera y consagrados.
• Comprensión de las redes sociales

• Estudios de arte
• Escuelas universitarias
• Cruceros
• Escuelas de educación primaria y secundaria
• Instalaciones médicas
• Museos
• Prisiones y cárceles
• Atracciones turísticas
• Universidades

«Hay muchas organizaciones artísticas locales donde se pueden encontrar oportunidades para dar clases, impartir talleres o conseguir trabajos. Por lo general, un artista que está empezando tiene que hacer mucho trabajo de divulgación para conseguir exposiciones y dar a conocer su obra». Isabell K. Fearnsby, pintora profesional, profesora adjunta, Cogswell College.

Todo el mundo ha oído hablar del término «artista hambriento», que se refiere a un artista que sacrifica sus necesidades económicas para seguir dedicándose al arte. Aunque este nivel de dedicación puede ser loable, probablemente sea más sensato intentar centrarse tanto en el arte como en el aspecto económico al mismo tiempo. Con un poco de planificación, los pintores con talento no tienen por qué pasar apuros económicos.
 
Sí, es cierto que los pintores no siempre tienen una trayectoria profesional tan estable o predecible como otros trabajadores, pero eso no significa necesariamente que vayan a arruinarse. La libertad y la flexibilidad son argumentos de peso para las personas que rechazan la idea de un horario tradicional de 8 a 5, pero la contrapartida es que los pintores pueden tener que trabajar en horarios no tradicionales.
 
Algunos pintores solo quieren trabajar por la noche (o cuando les inspira la musa) en lugar de levantarse temprano todos los días. Muchos prefieren ofrecer sus servicios de forma autónoma o mediante contratos por proyectos, obteniendo ingresos suficientes de un trabajo concreto como para poder permitirse un descanso después.
 
Para los profesores de pintura, la enseñanza puede constituir la mayor parte de sus ingresos, lo que significa que deben ser educadores dedicados. Trabajar como profesor a tiempo completo conlleva una serie de expectativas y sacrificios, entre los que se incluyen cumplir con el horario de la escuela y dedicar tiempo a preparar las clases y calificar los trabajos. 

«Ha habido sacrificios económicos bastante importantes, eso es seguro. Pero yo diría que lo más importante es el tiempo. Hay que dedicarle mucho tiempo para ser un artista de éxito. Eso significa que todo lo que hace la gente normal, como salir y relajarse, ver películas o jugar a videojuegos, ese tiempo hay que dedicarlo al arte. Hay momentos de descanso y momentos para salir con los amigos, pero me doy cuenta de que, si quiero sacar el trabajo adelante, solo puedo salir lo mínimo. Un artista tiene que tener amigos y familiares muy comprensivos». Isabell K. Fearnsby, pintora profesional, profesora adjunta, Cogswell College.

Los acontecimientos de los últimos años han alterado tanto la economía y los patrones de empleo que muchas personas están replanteándose por completo conceptos tradicionales sobre el trabajo y los horarios laborales. Esto ha tenido efectos interesantes en el mundo del arte, ya que las artes y la cultura son, históricamente, importantes contribuyentes a la economía global.

De hecho, en 2020, «las artes y la cultura aportaron 876 700 millones de dólares al PIB de Estados Unidos», según la Asamblea Nacional de Agencias Estatales de Arte. Aunque los precios de las pinturas individuales pueden fluctuar cuando el dinero escasea, Arts.gov señala que, en general, «el sector sigue desempeñando un papel desproporcionado en la economía estadounidense».

¿Qué significa esto para los pintores? Indica que seguirán surgiendo oportunidades, pero los pintores deben mantenerse flexibles y tener planes de respaldo. Afortunadamente, a diferencia de muchos profesionales, los artistas suelen prosperar cuando las cosas se vuelven un poco impredecibles.
 
También es importante reconocer que muchos artistas pintan con herramientas menos convencionales que los pinceles. Por ejemplo, los artistas del aerógrafo aplican la pintura con una pistola aerográfica manual conectada a un compresor. Famosos artistas del graffiti como Banksy utilizan plantillas y pintura en spray para crear valiosas obras de arte callejero.

Como todos los artistas y creativos, los pintores suelen sentir pasión por el arte desde una edad temprana. Es posible que hayan encontrado consuelo mental en el acto físico de pintar, así como una sensación de empoderamiento tras crear una obra terminada que expresaba algo significativo para ellos.
 
Dominar cualquier forma de pintura requiere horas de práctica, lo que indica que los pintores de éxito deben tener un fuerte sentido del compromiso y la dedicación a las cosas en las que se enfocan. Los pintores también tienen un gran deseo de compartir su visión con los demás, y es posible que hayan disfrutado mostrando su arte cuando eran más jóvenes.