Jen tenía aspiraciones como actriz infantil con una memoria fotográfica desde los ocho años y finalmente descubrió su pasión por el casting. Realizó prácticas con directores de casting mientras asistía a la Universidad de Wisconsin-Madison, donde se graduó con una licenciatura en Historia y Estudios de la Mujer en 1994. Comenzó a trabajar a tiempo completo en el mundo del casting en 2000 y, durante los siguientes 17 años, ha tenido una carrera llena de éxitos trabajando como asociada de casting para Susan Shopmaker Casting, donde ayudó a seleccionar el reparto de la campaña «Can You Hear Me Now» de Verizon, trabajando como directora de casting para The Walt Disney Company y dirigiendo su propia empresa: Jen Rudin Casting. En 2014 publicó un libro titulado Confessions of a Casting Director, en el que habla de sus experiencias como actriz y directora de casting para ayudar a los aspirantes a actores a prepararse mejor para el proceso de audición.

¿Cuánto tiempo pasaste en Disney?

Trabajé en Disney durante siete años. En 2002 me trasladaron de Nueva York a Los Ángeles para dirigir el departamento de casting de Disney Feature Animation, lo cual era diferente porque entonces era directora de casting interna de un estudio, por lo que mi trabajo era exclusivamente para Disney. No podía aceptar otros proyectos. Estuve allí desde 2002 hasta 2007, a cargo de «Los Increíbles», «Chicken Little», «La princesa y el sapo», «Hermano oso» y creo que también estábamos trabajando en «Meet the Robinsons» en ese momento.

En 2007 me trasladaron de nuevo a Nueva York y fui directora de casting y desarrollo de talentos para Disney Theatrical Productions, que es la división de Broadway de la empresa. Mi trabajo consistía en supervisar y unificar todo el casting de todos los espectáculos de Broadway que teníamos, así como las giras. Aunque no era nada internacional, contábamos con diferentes directores de casting para los espectáculos internacionales.

Luego, en 2009, cuando la economía se derrumbó, me despidieron junto con otras personas. Literalmente, al día siguiente abrí Jen Rudin Casting. Mi primer trabajo fue hacer casting para Disney Channel y para «Frankenweenie», la película de Tim Burton. Es curioso, mi primer trabajo como autónoma después de dejar Disney fue para Disney, y todavía sigo haciendo cosas para Disney Channel de vez en cuando.

Además de la exclusividad, ¿cuáles son algunas de las otras diferencias entre trabajar para una empresa y trabajar como director de casting autónomo?

Hay muchas diferencias. Algunas de las grandes empresas, como Sony, ABC o Warner Bros., cuentan con personal dedicado exclusivamente al casting, y es probable que cualquier gran empresa de entretenimiento tenga directores de casting internos que se encarguen exclusivamente de los proyectos de casting. Cuando eres director de casting autónomo, puedes trabajar para cualquiera de esas empresas. Desde que dejé Disney, he trabajado para Amazon, Fox y Universal. Así que, como empresa independiente, puedes trabajar para diferentes empresas, pero cuando trabajas en exclusiva para una empresa, tienes un contrato y no puedes trabajar para nadie más porque es un conflicto. Hay ventajas y desventajas. Quiero decir que es muy divertido trabajar en una empresa porque tienes tu propia oficina y asistentes, y si se estropea el ordenador, viene el técnico. Cuando diriges tu propia empresa, es completamente diferente. Yo me encargo de todo. Si una mañana quiero trabajar desde casa, puedo hacerlo; si quiero trabajar en la oficina, también puedo. Es muy diferente a tener que acudir a un trabajo de nueve a cinco.

¿Las empresas como Disney, que cuentan con directores de casting internos, siguen acudiendo a empresas de casting independientes o autónomas?

Sí, pero realmente depende. Por ejemplo, si eres director de casting interno de ABC, es imposible que tú y las cinco personas que trabajan contigo podáis encargaros del casting de todos esos programas de televisión. Contratan a otros directores de casting que se encargan del casting de un programa de televisión, pero hay alguien en ABC que supervisa su trabajo y ve las cintas y todo eso. Esa es la parte corporativa del casting y es muy diferente de la parte práctica, de «ensuciarse las manos» en las audiciones, dirigir las audiciones y todo lo que haces cuando estás en la sala de audiciones haciendo el casting real, en lugar de sentarte en tu oficina viendo las cintas que llegan cada día.

¿Qué habilidades dirías que se necesitan para ser director de casting?

Tienes que gustarte mucho la gente, porque se trata sobre todo de personas. Tu trabajo consiste en cumplir la visión del director y el guionista del proyecto, por lo que intentas escucharlos, pero también tienes que escuchar al productor. En un proyecto de estudio, también tienes que escuchar al director de casting y a los productores del estudio, por lo que respondes ante mucha gente. Creo que hay que ser una persona muy diplomática, capaz de equilibrar todas estas personalidades diferentes. Incluso en Disney Animation tenía un productor y un director en cada película, y todos esos equipos eran diferentes. Así que, si trabajaba en cinco películas a la vez, tenía que gestionar a cinco grupos diferentes de personas. Hay que amar a la gente, y se parece un poco al comercio minorista, porque a veces a la sesión de casting pueden acudir 55 actores al día para hacer una prueba. Así que hay que ser muy sociable y estar muy, muy organizado. Siempre mantengo una agenda muy apretada, así que no es como si todos los actores que vienen pudieran sentarse allí y charlar conmigo durante media hora y luego hacer sus escenas. Hay que saludar y luego hacer la audición. También hay que tener buena memoria y estar constantemente buscando nuevos actores. Por eso los directores de casting envían a sus jóvenes asistentes a buscar talentos y a ir a espectáculos, porque hay que mantener constantemente actualizada la agenda de actores. Tenemos que estar al tanto de las tendencias actuales, de quién es famoso en YouTube, de quiénes son los grandes cómicos y todo eso.

¿Cuáles son las diferencias entre el casting para papeles de doblaje y los papeles de acción en vivo?

Son muy diferentes, por eso en mi libro dedico un capítulo a todos los tipos de casting. Obviamente, en el casting de voces no hay peluquería ni maquillaje, y tampoco hay cámaras enfocándote. No se trata de cómo te ves, sino de si tu voz suena creíble como la voz de una ardilla. ¿Tu voz es la adecuada para el dibujo animado? Eso es muy específico, y además, cuando haces un casting de voces, tienes que asegurarte de reproducirlas una al lado de la otra para comprobar que no todas tienen el mismo timbre. Luego, cuando haces un casting de actores en vivo, piensas en cómo se ven juntos, si parecen una familia creíble y cosas por el estilo. Así que gran parte del casting de acción en vivo se basa realmente en cómo te ves junto a los otros actores del proyecto, mientras que el doblaje se basa en cómo suenas junto a otra persona.

¿Cómo es trabajar con la visión de otra persona (para los personajes) e intentar hacer realidad su idea?

Quiero decir, ese es tu trabajo. Puedes aportar tu propio gusto y visión y traer actores que quizá no encajen en la descripción de lo que ellos creen que quieren (y a menudo ese es el caso), pero tu trabajo es hacer el casting para su proyecto. Si dicen que quieren un actor divertido del tipo de Melissa McCarthy, entonces mi trabajo es encontrar a la próxima Melissa McCarthy o Jack Black.

Pero muchas veces piensan que quieren algo y al final resulta ser completamente diferente. Creo que para Anatomía de Grey, Kristin Chenoweth era originalmente la persona que querían para interpretar el papel de Shandra Wilson, la Dra. Miranda Bailey.

Las cosas siempre cambian en el casting. Los géneros cambian mucho, las etnias pueden cambiar, la edad puede cambiar, ya que los guionistas intentan averiguar quién es el adecuado para el papel. A veces las cosas no están escritas en piedra, es lo que intento decir. La visión puede cambiar y mi trabajo es intentar que su visión y su sueño se hagan realidad, pero también conseguir que consideren otras opciones.

Hay que hacerlo con mucho tacto, no puedes imponer tu opinión porque entonces pensarán que eres un director de casting muy autoritario. Hay que colaborar. Ese es el mejor consejo que puedo dar: hay que colaborar.

¿Es fácil colaborar con tantas voces diferentes en juego?

Es muy difícil de decir. A veces es como un sueño y todo el mundo se lleva de maravilla, y otras veces te encuentras en una situación como la que viví una vez en una película en la que el director dejó de hablar con el productor y el productor dejó de hablar con el director, y me llamaban a mí al mismo tiempo. A eso me refiero cuando hablo de diplomacia: ¿cómo gestiono las expectativas de lo que quiere el director y lo que quiere el productor cuando ambos se caen mal?

Pero eso es lo que ocurre en cualquier trabajo, no solo en el casting. En cualquier entorno en el que trabajes, tienes que trabajar constantemente con gente, a menos que seas un escritor que escribe una novela y trabajas desde casa. Tienes que trabajar con gente y tienes que colaborar, lo que significa que tienes que tener buenas habilidades de comunicación, saber escuchar, interesarte por los demás y ver qué necesitan.

No hay una única forma de hacerlo, cada proyecto en el que he trabajado es muy diferente.

¿Tienes alguna historia favorita de tus experiencias como casting a lo largo de los años?

Cada historia de casting es diferente. A veces, si estás haciendo el casting para una película independiente, y yo he hecho muchos, muchos de ellos, muchas veces se trata de financiar la película. La financiación de la película solo se produce cuando tienes estrellas, así que es entonces cuando vas detrás de ellas. Pero la mayoría de los procesos de casting se centran realmente en encontrar al mejor actor para el papel. Mucho de eso también depende del momento y de que todos den su opinión y voten al final del día.

Tengo muchas historias geniales sobre casting en las que te has preocupado por alguien durante años, has visto cómo crecía y cambiaba, y de repente está listo y consigue un papel importante. Esas son las historias bonitas sobre casting, en las que has seguido a un actor y lo has vigilado durante unos años y, de repente, ha madurado y está listo para asumir un papel emocionante.

A veces, y creo que hablo un poco de esto en la introducción de mi libro, se elige a esa niña de cinco años para la película «Mama» porque resulta que se parece a una versión más joven de la chica que estábamos buscando. Consigue este gran papel justo antes de Acción de Gracias y puede ir a Toronto, ¿no es emocionante? Es bonito cuando le pasa a una niña de cinco años y es bonito cuando le pasa a alguien que lleva mucho tiempo en el negocio y consigue su gran oportunidad.

Esas historias de éxito son sin duda lo que hace que el trabajo merezca la pena, pero no quiero idealizar en absoluto lo que es el casting. Mucha gente piensa que es muy glamuroso, ya sabes, como «Oh, Steven Spielberg está en tu oficina y tú estás haciendo audiciones a actores». Gran parte del trabajo consiste en hacer listas, comprobar la disponibilidad de los actores para ver si están disponibles para los días de rodaje y hacer audiciones a cientos y cientos de personas antes de que finalmente tengas cinco que quieras mostrar al director. Es un trabajo muy riguroso, ver montones y montones de cintas.

¿Por qué quisiste escribir tu libro, Confessions of a Casting Director?

En aquel momento yo trabajaba en Disney, en la división Broadway, y estaba realizando un viaje por diez ciudades en busca de una nueva sirena para «La Sirenita». Vi a muchas niñas cometer errores en sus audiciones y empecé a tomar notas. Mis notas eran cosas muy sencillas, como si hubieran llevado un vestido diferente o elegido otra canción. Fui a hablar con Tom Schumacher [Nota del editor: Thomas Schumacher es el presidente de Disney Theatrical Group], que era mi jefe, y le dije que quería escribir un libro porque durante las audiciones no hay tiempo para dar consejos a la gente y la gente necesita consejos.

Le pareció una idea estupenda, así que empecé a escribir mientras estaba en Disney y trabajé en mi propuesta. Escribir un libro es otro tema del que ahora no tenemos tiempo para hablar, pero tenía muchas ganas de escribir un libro para ayudar a los actores que llegaban y cometían grandes errores en la sala de audiciones. Cosas sencillas como llegar desaliñados, hablar del tráfico o del metro, decir que aún no han terminado el guion o no estar preparados para la audición.

Por lo tanto, mi libro es muy accesible y realmente práctico, ya que lo escribí para que los actores pudieran prepararse mejor para sus audiciones. Comparto mucha información en él porque se lo merecen y nadie les explica realmente estas cosas básicas que pueden hacer.

¿Cuáles dirías que son los aspectos más gratificantes de tu carrera profesional?

Creo que sin duda es cuando, como me pasó con Anika Noni Rose en «La princesa y el sapo», participas en una conferencia telefónica en la que el agente o representante del actor les comunica que han conseguido el papel. Esa es la parte divertida. Cuando realmente sientes que estás haciendo realidad el sueño de un actor, es increíble.

Cuando ves tu nombre al final de una película en los créditos, eso también es muy emocionante, creo. Trabajé en la película de Peter Bogdanovich («She's Funny That Way») y recuerdo que fui al estreno en Los Ángeles y vi mi nombre, en una sola tarjeta al final, junto con todos los demás créditos, y solo decía «casting por Jen Rudin». Es como: «Oh, vaya, ahí está mi nombre», así que es genial.

Ver tu nombre, saber que has trabajado duro y poder decirle a un actor que ha conseguido el papel. Es realmente genial. Muy divertido.