Robert Sheldon es actualmente editor de bandas de concierto para Alfred Publishing Co., Inc, una editorial musical con sede en California. A lo largo de su carrera, el Sr. Sheldon también ha alcanzado un gran éxito como compositor, y es incluso reconocido como uno de los compositores de música para bandas de viento más interpretados en la actualidad. Se le ha pedido que dirija como invitado interpretaciones de sus propias composiciones en los escenarios más prestigiosos del mundo, como el Carnegie Hall de Nueva York.  Sin embargo, el Sr. Sheldon afirma que su «primer amor» en lo que respecta a su vida profesional siempre ha sido la enseñanza. Ha disfrutado de una ilustre carrera de 28 años como educador musical en diversos niveles del sistema educativo, desde la escuela primaria hasta la universidad. Su amor por la música y las personas le ha llevado a recibir múltiples premios de la Asociación Americana de Directores de Bandas Escolares. Hoy en día, el Sr. Sheldon es invitado a menudo a compartir sus excelentes habilidades docentes con jóvenes aspirantes a músicos en campamentos y clínicas musicales que se celebran en todo el mundo.

¿Cómo ha logrado construir una carrera exitosa y satisfactoria?

Empecé actuando mucho en el instituto, lo que finalmente me llevó a adquirir experiencia como intérprete profesional. Una vez que me gradué, decidí que quería ir a la Universidad de Miami, porque sabía que allí tendría muchas oportunidades de tocar profesionalmente mientras estudiaba. Esto era especialmente importante para mí, ya que me permitiría pagarme los estudios.

Además, en aquella época me interesaban mucho diferentes áreas de la música: el jazz, la interpretación y, por supuesto, ¡también me encantaba enseñar! Así que, aunque en aquel momento componía música porque quería estudiar con profesores de composición específicos, al final decidí orientarme hacia la educación musical. Una vez que me gradué, conseguí un trabajo como profesor de orquesta en un instituto durante cuatro años, antes de volver a la Universidad de Florida para cursar un máster en dirección. Después de esto, me quedé en la Universidad de Florida, donde continué enseñando durante tres años más e incluso tuve la divertida experiencia de trabajar con la radio pública nacional, afiliada a la Universidad de Florida, donde dirigí un programa de música clásica.

Después de esto, trabajé durante seis años en un instituto cerca de mi ciudad natal, enseñando música en banda y orquesta, mientras seguía componiendo. Mi carrera como compositor musical realmente comenzó a despegar en ese momento, lo que me llevó a una serie de oportunidades como director invitado. Así que, aunque estaba increíblemente ocupado durante esa etapa de mi vida, disfrutaba de mi vida escolar: enseñaba todo el día, luego volvía a casa y componía por la noche y los fines de semana, y luego viajaba los fines de semana para dirigir diferentes grupos... ¡Realmente fue una etapa muy feliz y divertida de mi vida profesional!

Luego recibí una oferta de trabajo en la Universidad Estatal de Florida, donde impartí clases de dirección, composición, arreglos y educación musical, además de dirigir The Marching Chiefs, la banda de música de 450 miembros de la FSU. Fue una experiencia inusual y sorprendente, ¡muy divertida y con mucho trabajo! En ese momento de mi carrera, decidí que quería centrarme más en mi faceta de compositor. Así que dejé ese trabajo y me mudé a Illinois, donde asumí la dirección de otra banda de instituto, pero esta vez las responsabilidades del trabajo me permitían dedicar más tiempo a la composición. Lo hice durante los siguientes 12 años y disfruté de un equilibrio entre todas mis pasiones musicales. Como mi agenda como director invitado estaba muy ocupada, recibí muchos encargos para componer y realmente disfruté con la enseñanza.

Luego, en 2003, uno de mis editores me invitó a trabajar como editor en la editorial para la que trabajaba. Así que, tras 28 años enseñando en diversos lugares, me jubilé y acepté mi trabajo actual en Alfred Music, en California. Sin embargo, vivo en Illinois y trabajo a distancia. Este trabajo me ha ofrecido aún más oportunidades para componer y dirigir, ya que puedo organizar mi tiempo de forma diferente y con más flexibilidad. Y sigo impartiendo cursos de música para profesores entre 40 y 45 veces al año, a veces solo durante un día, otras durante una semana. Acabo de terminar un festival de música de 10 días en Japón y en mayo pasé tres semanas en China dirigiendo varios grupos en diferentes ciudades. La semana que viene me voy a Alemania para impartir un campamento musical durante una semana. Sin embargo, lo más habitual es que dé clases en Estados Unidos y Canadá.

Me gusta tanto lo que hago —trabajar desde casa como escritora, editora y directora de un catálogo de bandas de música, con compañeros maravillosos— que no quiero que nada cambie necesariamente. Seguiré haciéndolo mientras sea divertido, ¡y ahora mismo lo es mucho!

¿Cuál dirías que ha sido el momento más destacado de tu carrera?

Jaja, creo que como profesor, tus logros más satisfactorios son realmente los de tus alumnos, no los tuyos propios. Y hubo muchos. ¡Ocurrían constantemente! Pero diría que los momentos de mayor satisfacción solían ser aquellos que nadie veía. Por ejemplo, una vez, durante un ensayo, se fundieron todas las bombillas y se produjo una especie de momento trascendental en el que todo el mundo siguió tocando para mantener viva la música. A veces ocurrían en público durante una actuación, ya sabes, cuando tenías una actuación increíble y cosas así. Pero, en general, eran esos momentos en los ensayos en los que terminabas algo con éxito y era una sensación increíble, y te acompañaba durante el resto del día.  

¿Qué consejo le darías a alguien que está pensando en cursar estudios formales de música?

He enseñado música en varios niveles y, a menudo, escucho a los alumnos decir «Quiero ser...», ya sea intérprete o compositor. Es un gran objetivo, pero siempre les aconsejo que obtengan un título en educación musical. Muchas veces me responden: «Bueno, yo no quiero dar clases». Pero la cuestión es que, si vas a ser intérprete o compositor y quieres tener éxito, es probable que, en algún momento de tu carrera, formes parte del cuerpo docente de una universidad, donde se espera que enseñes lo que sabes. Así que, para aquellos que no quieren ser profesores: los mejores directores, intérpretes y compositores han enseñado en algún momento. Y la licenciatura en educación musical al menos te permite hacer algo: enseñar. Una licenciatura en interpretación, composición o dirección: puede que recibas una formación real, pero en realidad no te da más derechos que los que tenías antes de ir a la universidad. Lo que más te ayuda en tu carrera en ese sentido son los contactos que haces, eso es lo valioso.

No digo que los sueños no sean importantes, pero creo que es peligroso decir «voy a dedicarme a componer música». Es difícil decir «sí, voy a ser compositor y voy a formarme para ello»... y dar por hecho que va a ser posible. Porque, por mucho que compongas, es muy posible que nadie compre nada de lo que escribas. Y aunque tu música sea muy buena, eso no significa que alguien vaya a comprarla; eso no tiene nada que ver necesariamente con la calidad, sino con el atractivo que tenga para el público. En algunos casos, los artistas no producen necesariamente cosas que sean más aceptables (eso es parte del arte, ser un poco atrevido a veces). Hay muchas cosas que he escrito que nunca se publicarán, y eso me parece bien. Pero, como resultado, nunca he considerado la composición como mi principal objetivo. No es algo con lo que haya contado nunca. Pero, al igual que cualquier otra arte escénico, puede que no necesites ninguna formación para ser fantástico y, por el contrario, por mucha formación que recibas, puede que sigas sin tener éxito. Lo hago más por diversión que por otra cosa, pero he tenido mucha suerte, ya que me ha recompensado de muchas maneras.

Tenemos que preguntarte... ¿cuántos instrumentos sabes tocar?

Bueno, empecé con el violín, pero se me daba muy, muy mal. Sin embargo, se me daba mucho mejor el piano. Así que lo tocaba mucho cuando era más joven. Luego, en la secundaria, empecé con el trombón. Mis padres eran artistas de vodevil en Nueva York en aquella época, y cuando nos mudamos a Florida abrieron su propio restaurante y club de música. Cuando crecí un poco, me pidieron que me uniera a la banda del local, pero no para tocar el trombón, sino el clarinete y el saxofón. Así que me compré un clarinete y un saxofón y aprendí a tocarlos. A veces también necesitaba una flauta como instrumentista de viento-madera, así que me compré una y aprendí a tocarla. Luego, en el instituto, me intrigó el fagot y empecé a tocarlo, además de la trompeta.

Cuando estaba en el último año de secundaria, cantaba en el coro como barítono, tocaba la flauta en la orquesta, el trombón en el conjunto de viento, el clarinete en la banda sinfónica, el oboe en la banda de concierto, la trompeta en la banda de marcha y el saxo tenor en la banda de jazz.

Luego fui a la universidad con una beca para estudiar oboe, así que me especialicé en ese instrumento. Disfruté mucho con todos estos instrumentos y he seguido tocándolos. Esto me resultó especialmente útil como profesora de música, ya que podía coger cualquiera de estos instrumentos y hacer una demostración. También me ayuda mucho a la hora de escribir, porque sé muy bien lo que resulta cómodo para los dedos de un músico y lo que se puede tocar con fluidez. Si pudiera conseguir el mismo efecto sonoro pero haciendo que fuera más fácil de tocar, lo haría. Cuando daba clases en el instituto en mis últimos años, especialmente como siempre enseñaba orquesta, me encantaba tocar el violonchelo, así que me sentaba con los chicos y tocaba el violonchelo o el contrabajo, aunque no se me daba muy bien. ¡Es divertido, y animo a los chicos a que prueben tantos instrumentos como puedan!

¿Qué te influyó para probar suerte en la composición musical, además de enseñarla?

Bueno, siempre he compuesto música, desde que estaba en el instituto, y era algo en lo que quería destacar. Sin embargo, es muy difícil entrar en el mundo editorial. Lo normal es enviar la música a una editorial tras otra y recibir un rechazo tras otro. Puede ser muy desalentador, pero en un momento dado, al principio de mi carrera (cuando acababa de salir de la universidad), gané un premio en un concurso nacional de composición y parte del premio consistía en la publicación de la pieza que había compuesto. Recuerdo que pensé: «¡Ah! Por fin lo he conseguido».

Pero realmente no fue así, porque la pieza que ganó el premio era increíblemente difícil de tocar, y yo no tenía la experiencia suficiente para darme cuenta en ese momento de que muy pocas personas iban a ser capaces de tocarla. Así que, en realidad, no fue un comienzo muy exitoso, pero fue una buena afirmación haber ganado el premio. Aprendí de la experiencia y, por supuesto, el dinero también fue muy agradable.

Fue una experiencia fantástica, pero no fue precisamente la mejor manera de iniciar una carrera como compositor. Mi primera publicación exitosa se produjo durante mi máster en Dirección Musical. Estaba tomando clases de composición con un profesor muy inteligente y con mucho sentido común, que me hizo replantearme mi forma de escribir música para que fuera más «tocable». Me encargó un proyecto con el que quedó muy satisfecho y fue él quien me consiguió un contacto para publicar la pieza. La pieza acabó vendiendo un gran número de copias y la editorial quiso inmediatamente más música mía.

Fue entonces cuando comprendí que podía seguir siendo fiel a mí mismo, a mi visión artística, y estar orgulloso de la música que componía, pero escribiéndola de tal manera que la gente pudiera tocarla y así poder publicarla. Con el tiempo, he podido expandirme en ambas direcciones: subiendo un poco el nivel para producir obras de nivel universitario y también bajando un poco el nivel para adaptarme al nivel de la escuela secundaria. Eso es realmente lo que me hizo falta: ser capaz de entender lo que la gente quería tocar y poder ofrecérselo, sin dejar de encontrar la manera de transmitir mi propio mensaje musical a la gente. Fue muy satisfactorio.

Así es como empezó todo, y poco después empezaron a pedirme que compusiera piezas. Y ahí fue cuando comenzaron los encargos, probablemente poco después de que se publicara la primera pieza. Al principio recibía un encargo al año, y luego eso fue aumentando hasta llegar a unos 13 al año, momento en el que me pareció que era demasiado y empecé a reducir el ritmo. He descubierto que soy más feliz cuando escribo entre 8 y 10 piezas al año. Pero, en cuanto a los encargos, intento mantenerme en unas 3 o 4 piezas al año, y el resto las hago a mi propio ritmo. Pero me encanta hacerlo, ¡y todavía me sorprende que la gente quiera que escriba música para ellos! A menudo también me piden que dirija la primera interpretación de la pieza que me han encargado para un grupo. A veces son grupos profesionales, otras veces son bandas comunitarias de adultos, bandas universitarias, bandas de instituto e incluso bandas de primaria. Es una experiencia muy interesante trabajar con gente que sabe que es su pieza y que es la primera vez que se va a interpretar. ¡Es un evento realmente especial!

¿Cómo encuentras la inspiración para crear piezas desde cero?

El proceso varía mucho según la pieza. Para los encargos, suelo inspirarme en el cliente y tratar de comprender qué tipo de pieza está buscando. Mi inspiración puede estar relacionada con el lugar donde se encuentra mi cliente: trato de encontrar algo relacionado con eso, como la historia local, las tradiciones, las leyendas y/o los lugares. Viajo mucho, lo que me inspira mucho. También me inspira el arte, la música, la poesía... una gran variedad de cosas. El verano pasado, por ejemplo, estaba navegando por la costa del norte de África y experimenté la increíble sensación de los vientos del siroco, que soplan desde el Sáhara, y fue una sensación increíble estar flotando frente a la costa de Libia y sentir esos vientos increíblemente cálidos, casi místicos, que fueron la inspiración perfecta para escribir mi obra «The Oracles of the Sirocco», que se publicará este año. A veces no es nada de eso, sino simplemente un sonido, un color, un ritmo o una idea concretos, y uno se limita a jugar con eso. Para mí, el proceso específico consiste en dar con una idea concreta, que puede ser una melodía, un ritmo o un sonido de algún tipo. Luego elaboro una hoja de ruta sobre cómo voy a partir de esa base para transmitir mi mensaje. Así que lo enfoco como si fuera a hacer un viaje, a visitar algo. Me pregunto... ¿por qué voy? ¿Por qué estoy escribiendo esta pieza? ¿Qué pretendo ver? ¿Cuáles son los temas de la pieza? ¿A quién me llevo conmigo? ¿Para qué instrumentos estoy escribiendo? ¿Cuánto tiempo me voy a quedar? ¿Cuál es la duración de la pieza? ¿Qué tipo de viaje es (¿voy a hacer senderismo por el Himalaya o a tumbarme en la playa)? ¿Es un viaje realmente difícil o es fácil? ¿Cuál es el nivel de dificultad de la música que voy a escribir? Y al final del viaje, ¿me voy a quedar allí o voy a volver? ¿Cómo terminará la pieza?

En cierto modo, componer música es una experiencia muy etérea para mí. Me absorbe por completo mientras lo hago, y cuando estoy componiendo algo, es lo único en lo que puedo pensar. ¡Incluso cuando duermo! Me despierto y es lo primero en lo que pienso, estoy deseando ponerme a ello... Me consume por completo. Me encanta componer música, pero lo que odio es tener una fecha límite (aunque son las fechas límite las que me hacen terminar la pieza). No estoy segura de cuánto éxito tendría sin una fecha límite, y cuando aún no he empezado la pieza y veo la fecha límite, es cuando empiezo a sentir la presión, y eso nunca es bueno. No quiero sentir nunca que tengo que escribir, siempre quiero sentir que puedo escribir.

¿Alguna vez te has enfrentado al bloqueo del escritor?

¡Por supuesto que sí! He aprendido que cuando tengo bloqueo creativo, necesito alejarme un poco de la obra. Puede ser algo tan sencillo como salir a dar un paseo. Puede ser simplemente dejarlo por un día y volver a ello. Pero he descubierto que cuando tengo un bloqueo creativo grave, que afortunadamente no ocurre a menudo, me digo: «Vale, no trabajemos en este proyecto», y en su lugar me dedico a jugar con la música y algunas ideas. «No voy a escribir nada ahora mismo», me digo a mí mismo, «solo voy a divertirme un poco». Y entonces me olvido de la presión de la pieza y de cualquier callejón sin salida musical en el que me haya metido en ese momento, y en unos 35-40 minutos suelo encontrar una idea genial para usar en la pieza, y entonces se rompe el bloqueo creativo.

¿Cuáles son las principales cualidades y habilidades que debe tener alguien que desee triunfar como profesor de música?

Creo que hay que ser muy organizado y motivado, como una persona con personalidad tipo A. También hay que ser muy buen músico y tener muy buen oído, además de excelentes habilidades sociales (saber cómo hablar con la gente, cómo captar su atención). También es importante contar con una gran variedad de herramientas didácticas. Se podría denominar «bolsa de trucos», y esa es una de las razones por las que hay que asistir a conferencias constantemente: para aprender más trucos que añadir a la bolsa. Una técnica de aprendizaje que siempre ha tenido mucho éxito puede funcionar para el alumno A, pero no para el alumno B; ahí es cuando hay que rebuscar en la bolsa de trucos y encontrar otra cosa que probar. Por lo tanto, siempre hay que ampliar la base de conocimientos para incluir a tantos profesionales diferentes como sea posible.

Como profesor de música, también necesitas mucha confianza en ti mismo, porque constantemente te expones a situaciones arriesgadas. Si eres profesor de matemáticas o de inglés y pones un examen en el que toda la clase saca malas notas, nadie lo sabe excepto los alumnos que han hecho el examen. Pero cuando eres profesor de música, tu examen es una actuación, y si los alumnos suspenden, todo el público lo sabrá. Así que, en esencia, estás poniendo tu reputación como profesional en manos de unos adolescentes. Por eso, tienes que tener mucha concentración y confianza para poder encajar los golpes y aprender de esta manera.

Para terminar, ¿tienes algún último consejo para los lectores que quieran dedicarse a la enseñanza musical?

¡Dios mío! ¡Es lo mejor! ¡Es lo mejor! A veces estoy hablando con el director de una banda y de repente me doy cuenta... ¿qué suerte tenemos de poder pasar nuestras vidas rodeados de todos estos chicos maravillosos, llenos de energía y que solo quieren dar lo mejor de sí mismos por ti? Estamos rodeados de esta hermosa música y podemos decidir cómo vamos a enseñar.

Por último, diría que si realmente te gusta la música y realmente te gusta la gente, tener la oportunidad de enseñar a la gente a través de la música tiene que ser una de las mayores alegrías que se pueden tener. Y poder rodearte de gente maravillosa y música... No puedo imaginar una forma mejor de pasar la vida.

Muchas gracias, Sr. Sheldon, por dedicar su tiempo a compartir consejos tan sinceros y por motivar a los aspirantes a músicos de la red Gladeo. Para obtener más información sobre la ilustre carrera del Sr. Sheldon, visite su sitio web (http://robertsheldonmusic.com/) y le recomendamos encarecidamente que escuche algunas de sus piezas en YouTube.